Mesmo gênero (o musical) em vários estilos
Crítica/
Alô, Dolly!
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| Tradição da Broadway vintage |
Esse musical, baseado em peça de Thornton Wilder
e estreado na Broadway em 1964, pode ser considerado um clássico. Com os ingredientes
tradicionais, desde a trama ingênua para todos os públicos até a trilha musical
com canções de agradável sonoridade, Alô,
Dolly! se encaixa na história dos
musicais como um exemplar que utiliza, de maneira habilidosa, o caderno de encargos
do gênero. Utilizando os preceitos básicos, Dolly
percorreu o caminho do êxito - anos em cartaz em Nova Iorque com atrizes
veteranas como protagonista, reprodução em montagens por dezenas de países,
inclusive o Brasil, em 1966, com Bibi Ferreira - e a inevitável produção para o
cinema. Ciclo completo, o musical com assinatura de Jerry Herman e coreografia
de Gower Champion (coreógrafo dos musicais da Metro dos anos 50) é,
periodicamente remontado em várias partes do mundo, deixando a impressão de que
é visto hoje como revival ou vintage. A versão brasileira em cartaz
no Oi Casa Grande, com direção geral de Miguel Falabella, não tem como escapar
de tais rótulos, afinal o convencionalismo das canções, libreto e coreografia que
já pesavam na época da estreia, agora se acentua quase como anacronismo. Miguel
Falabella percebeu o desgaste e procurou arejar, a começar por cortar com vontade o
entrecho, enfatizar a comunicabilidade pelo humor e aproveitar a atuação mais espontânea do ator brasileiro. O
resultado é que o rearranjo funciona, permitindo que a tradição seja temperada com ingredientes que acrescentam algum
sabor a esse show passadista. Com rigor técnico, qualidade na direção musical e
vocal de Carlos Bauzys, na iluminação de Paulo Cesar Medeiros e desenho de som
de Gabriel D’Angelo, Alô, Dolly! via Brasil mantém o nível profissional que os
musicais têm apresentado por nossos palcos nos últimos anos. Ainda que o
cenário, pesado, sombrio e de discutível gosto, de Renato Theobaldo e Roberto
Rolnik, e o figurino, irregular e sem unidade, de Fause Haten possam prejudicar
parcialmente o visual, é o elenco a verdadeira alma do espetáculo. Dos cinco
bailarinos aos 13 participantes do ensemble,
como a produção denomina o coro que
atua em pequenos papéis, a harmonia do conjunto serve às exigências de
interpretação, canto e dança. Os atores – Frederico Reuter, Alessandra Verney,
Ubiracy Paraná do Brasil, Ester Elias, Branda Nadler, Ricardo Pêra, Patrícia
Bueno e Thiago Machado – têm intervenções que apoiam a eficiente encenação.
Miguel Falabella passeia no
personagem, mostrando um à vontade comunicativo. Marília Pêra interpreta Dolly,
circulando pelas canções brejeiras e as situações ingênuas como uma comediante tarimbada.
Com piscadelas aos códigos de artistas populares, Marília Pêra flana com
intimidade no palco.
Crítica/
Gonzagão, A Lenda
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| Biografia no Nordeste festivo |
Musical biográfico como tantos outros que se
sucederam por várias temporadas na década de 80, Gonzagão, A Lenda, em cartaz no Teatro Ginástico, reconstitui a vida
do Rei do Baião, mantendo o formato de homenagem. O autor e diretor João Falcão
não pretendeu fugir à essa fórmula tão exaustivamente utilizada. A linearidade
da narrativa e a integração das composições na sequência dos acontecimentos
vividos por Luis Gonzaga obedecem à regra escrita sem maiores ousadias. O que torna
a montagem fluente e, em muitos momentos, envolvente, é o modo como a cultura
nordestina se encaixa neste painel colorido, alegre e despretensioso. O cenário
de Sergio Marimba é mais evocativo do que propriamente desenhado. O que ajuda a cenografia a ganhar mais vida são os
adereços, assinados também por Marimba, que se mostram inventivos, como os
acordeões cenográficos. O figurino de Kika Lopes, entre citações ao Nordeste e
a imagística circense, se mostra bonito em conjunto, ainda que excessivo individualmente
em alguns deles. A iluminação de Renato Machado contribui para colorir a cena.
Com a afinada parte técnica, e a azeitada direção musical de Alexandre Elias (a
sonoridade poderia ser menos volumosa), Falcão armou uma festa de feira,
projetando atmosfera nordestina em formato de celebração. Constrói cenas
rápidas, que mudam constantemente, repassando a biografia ao som do repertório
de Gonzaga. Os melhores quadros são aqueles em que o diretor imprime intensa movimentação
aos atores, formando agitada coreografia cênica. Essa concepção facilita a
atuação, já que nem todo o elenco demonstra muita experiência. Alguns cantam
bem, outros interpretam melhor, um se mostra visivelmente verde, mas todos em
grupo se revelam satisfatórios. Laila Garin, além de qualidade como cantora
conduz com segurança a sua participação como atriz, enquanto Marcelo Mimoso dá
demonstração de domínio e destreza no uso dos vários registros de sua voz. Adrén Alves, Alfredo Del Penho,
Eduardo Rios, Fabio Enriquez, Paulo de Melo, Renato Luciano e Ricca de Barros completam
o elenco desse agradável musical.
Crítica/
A Revista do Ano – O Olimpo Carioca
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| Reinvenção do Rio atual |
As origens de A
Revista do Ano – O Olimpo Carioca, em cartaz no Teatro Clara Nunes, são
históricas, inspiradas em duas vertentes do musical à brasileira: a revista de
ano e o teatro de revista. O texto de Tania Brandão se nutre dessas influências
para atualizá-las aos dias atuais, ao registro dos prazeres e mazelas da vida
no Rio e à obra de Artur Azevedo. A autora, mais do que historiar um gênero,
procurou reinventá-lo sem fugir de seus fundamentos,
nutrindo-o das circunstâncias que o carioca enfrenta agora, acondicionando-as
no formato original. Os deuses do Olimpo que descem ao Rio na esperança de fugir
às vicissitudes econômicas por que passa a Grécia, percorrem os caminhos e
desvios de uma cidade, aparentemente maravilhosa, e acabam integrados a seus
costumes e mazelas. Como na estrutura do modelo, a revista conta as peripécias
desses deuses caídos como sátira, em cortinas (esquetes no proscênio), observações críticas e olhar amoroso
para o estilo. Tania Brandão reproduz esse arcabouço, recorrendo ao humor
crítico que se volta para o presente balanceado pelo passado. A montagem de
Sergio Módena se aproxima do jogo de épocas armado pela autora. O espetáculo
não pretende fixar, histórica ou nostalgicamente, as referências às revistas de
ano, somente sintonizar a origem com certa malemolência malandra dos dias de
hoje. Mesmo que a direção não tenha contido o tempo de duração do espetáculo, o
que acrescenta alguma gordurinha a
quadros um tanto estendidos, na maior parte O
Olimpo Carioca adquire bom ritmo. O visual, assinado por Ronald Teixeira e
Flavio Graff, é funcional na cenografia, ainda que inexpressiva, e atraente no
figurino, que veste de bronze brilhante os deuses e de curiosas interpretações
dos antigos figurinos do velho teatro de revista. A direção musical de Marco
Pereira e os músicos mantêm bom nível de qualidade. Os 15 atores compõem elenco
coeso, e cada um se destaca em alguma cena. Ana Velloso é uma divertidíssima Colombiana.
Stela Maria Rodrigues, Marta Metzler, Ana Carbatti e Celso Andre estão impagáveis
na cortina sobre casas de espetáculos
do Rio. Vera Novello se revela comediante como Bueiro. Marcelo Capobianco faz
rir como Índio. Édio Nunes incorpora o Futuro do Prefeito e Milton Filho veste
o Dinheiro na Cueca. Rogério Freitas desempenha com desenvoltura o papel de cômico
da tradição revisteira. Alcemar Vieira e Helga Nemecyk como a dupla de mestres
de cerimônia estão soltos e seguros na função de conduzir com bom humor, leveza
e malícia a queda dos deuses na geleia geral do cotidiano dos cariocas.
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