Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (4/10/2015)

Crítica/ “The pillowman”

Ambiente opressivo para construir múltiplas narrativas 

O texto do irlandês Martin McDonagh aponta para várias direções, todas elas dirigidas para costura dramatúrgica que conflui para uma escrita bem traçada. Aparentemente, trata-se de trama criminal, que logo se desfaz em drama psicológico, mas que se concretiza na identidade da criação com a vida. Um escritor de histórias perversas, através das quais se delineia a sua própria história e de seu irmão deficiente mental, é submetido a interrogatório policial para confessar mortes semelhantes àquelas que escreve. Em sessões torturantes, desvenda-se um enredo de crueldade e dominação, de brutalidade e morbidez, em múltiplas pistas desviantes que conduzem ao espaço da ficção que o autor-assassino-vítima-cúmplice quer preservar para além da morte. O depoimento à polícia conduz até a verdade, enquanto os contos revelam vivências reais e autonomia expressiva, capazes de justificar a existência e atenuar culpas. “The pillowman” é feito de narrativas, conflitantes e dispersas, que se encontram na invenção ficcional de quem busca a permanência da memória. Os diretores Bruno Guida e Dagoberto Feliz apostam em acentuar o clima sinistro e a atmosfera tragicômica, deixando de explorar os mecanismos dramáticos da requintada construção fabular. A dupla optou por caracterizações grotescas dos personagens e por composições bizarras do elenco, que não deixa de ser uma opção para facilitar a atenção da plateia para a subjetividade da ação e quebrar o ritmo distentido dos diálogos. As cenas são longas e intensas, exigindo que se mantenha o interesse, seja pelo desenvolvimento do entrecho ou pelos intrigantes despistes que o autor lança sem trégua. São três horas de duração, com intervalo, em que as cenas são alimentadas por incessante confronto de gestos contundentes e palavras ásperas, num enfrentamento de emoções passionais. Mesmo com a longa duração e com o relativo distanciamento do eixo narrativo, a encenação é corajosa ao manter o original na íntegra, sem cortes, apoiada pela segura tradução de Bruno Guida. A cenografia apropriadamente sombria   de Ulisses Cohn, ambientada com sensibilidade por Aline Santini, colabora na tonalidade opressiva que marca  as desordens emocionais. Flávio Tolezani tem presença segura e forte como o misterioso escritor. Bruno Guida, em que pese a sanguínea interpretação do policial, se apoia demais na composição física. Daniel Infantini, como o outro policial, e Bruno Autran como o irmão, driblam as dificuldades de projetar seus personagens. Wandré Gouveia está um tanto deslocado e tímido na difícil função de desempenhar papel perfeitamente dispensável.                 

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (30/9/2015)

Crítica/ “Abajur Lilás”

Exposição hiper-realista da miséria humana

Escrita em 1969, “Abajur lilás” forma com  “Dois perdidos numa noite suja” e “Navalha na carne” o núcleo duro da dramaturgia de Plínio Marcos. Fotografias em alta resolução de um universo à margem, em que a miséria humana e conflitos sociais se manifestam em linguagem direta e ríspida, esses textos resistem ao tempo pela sua força implosiva. “Abajur lilás” marca  diferenças em relação às narrativas do mesmo período, pela caráter, reveladoramente político, que Plínio imprime a áspera convivência de prostitutas exploradas por um cafetão. As mulheres, submetidas ao poder de quem as tiraniza, são pressionadas, sob tortura, a delatar a responsável por um ato de revolta contra a ordem do prostíbulo. A violência, antes de ser vivida como metáfora política, é mostrada na sua dimensão social, em que um quadro hiper-realista de agressões verbais e falência moral se desenha como provocação. É clara a intenção de desacomodar o espectador e incitá-lo a reagir, até mesmo pela repulsa, ao que parece chocante pelo seu realismo. O propósito de Plínio Marcos se mostra eficiente até os dias nada censurados de hoje, quando o público, confrontado com diálogos que não economizam palavrões e expõem situações afrontosas, ainda deixa o teatro, agredido na sua sensibilidade. E, efetivamente, o autor não se limita na utilização desses recursos, que se revelam a razão e fundamento de uma obra que sobrevive na medida dessas características tão demarcadas por traços borrados. Renato Carrera reforça o acento realista das cenas com uma direção que dilata o clima tenso ao ponto de explodir em suores, babas e palavras gritadas. A encenação é expandida tal como os gestos dos personagens, que explicitam em movimentos reais, atitudes íntimas, que se deixam ver como ação natural. A primeira cena e as passagens de tempo criam com realística projeção, uma atmosfera densa que abre espaço ao desnudamento da ação dramática. Carrera administra com segurança a base naturalista da trama, com a construção de narrativa cênica delineada num fio desencapado na iminência de estourar num curto circuito. O ambiente, sempre próximo da combustão, é de uma crueza sem disfarces no cenário de André Sanches e na iluminação de Renato Machado. As telhas translúcidas e os baldes e urinol de serventia às intimidades invadidas, ganham significação da luta emocional perdida desde sempre. A preparação corporal de Felipe Koury é determinante na virulência da cena de tortura. A direção musical de Alexandre Elias determina, com precisão, as interferências sonoras. Higor Campagnaro resolve pela caracterização mascarada e pela composição física o papel sombrio do torturador impotente. Eber Inácio estabelece com pequenas flexões a inconstância do cafetão. Laura Nielsen, Larissa Siqueira e Andreza Bittencourt não se restringem a coragem da exibição, mas demonstram a       integridade de intérpretes que deixam as personagens em rascante exposição.             

      

Temporada 2015

  Crítica do Segundo Caderno de O Globo (27/9/2015)

Crítica/ “In extremis”

Vozes subterrâneas do universo de Oscar Wilde 

O encontro e as expectativas estão postos em outro tempo e redimensionados pela morte. Não apenas revivem um fato, mas evidenciam o que no passado era puro jogo, e que agora é memória reveladora. ‘In extremis”, do inglês Neil Bartlett, se baseia em provável consulta do escritor  Oscar Wilde a uma cartomante, dias antes de seu julgamento a dois anos de prisão por “cometer atos imorais com diversos rapazes”. A impostura da profecia enfrenta o temor de saber aquilo que poderá vir a seguir, ambos os sentimentos dissimulados pela astúcia da manipulação e pelo receio do destino pressentido. Neste minueto de palavras mascaradas, as vozes interiores falam em outro tom, impulsionadas pela música da ambição e pelos ecos da insegurança. Bartlett criou situação, vivamente  fundamentada no universo do autor de “De profundis”, da qual emergem cinismo e decadentismo, ironia e hedonismo. Contrapôs à estética e à vida de Wilde, uma embusteira que mergulha nesse mundo como alguém que conhece a hipocrisia e os ardis de seu funcionamento. O texto, conciso na apropriação do literário como linguagem cênica e do existencial como expressão de sensibilidades, mantém diálogo refinado  entre os dois planos. Ao mesmo tempo que exige uma audição depurada, a narrativa propõe, no seu aparente e convencional dualismo, a recepção explodida e arrebatada de vozes subterrâneas. O diretor Bruno Guida, que também assina a cuidadosa tradução, interpretou esse circuito de dissonâncias, integrando a potência da palavra ao impacto da imagem. O cenário de Flávio Tolezani, restrito a duas cadeiras-tronos e adereços, e envolto na iluminação oblíqua de Aline Santini, é encorpado pelo figurino de Daniel Infantini. Repleto de brilhos e plumas gastas, complementado por bijuterias opacas e cabelos desgrenhados, o visual dos atores barbados conduz a um espaço decadente e a uma zona de contornos impalpáveis. O deslize do diretor talvez possa ser avaliado pelo tratamento, algo místico que pede emprestado à quiromancia, e pelas atuações inspiradas na bufonaria. Flavio Tolezani (Oscar Wilde) escapa, com maior interiorização e com pausas inquietantes, ao expansionismo da composição de Daniel Infantini (a cartomante). Enquanto Tolezani projeta a ansiedade do escritor à beira do veredito, entrecortada por frases de efeito, Infantini joga para a plateia à procura de aplainar ambiguidades.  

Temporada 2015

 Crítica do Segundo Caderno de O Globo (23/9/2015)

Crítica/ “Andança – Beth Carvalho, o musical”

Três tempos de um repertório biografado 

Ao escrever um musical sobre Beth Carvalho, o autor Rômulo Rodrigues reverenciou a carreira e, secundariamente, a vida da garota nascida na Zona Sul e que se tornaria referência do samba do subúrbio. O caráter biográfico se confunde com a homenagem, formato encontrado para reviver a trajetória da cantora que, em plena atividade profissional, foi a maior fonte da pesquisa. O roteiro não se desvia da cronologia factual, iniciada nas aulas de balé da infância e concluída na alegria da superação. Sem maior detalhamento e comentários, são repassados acontecimentos familiares, casamentos, política, numa sucessão expositiva que é insuficiente para relacionar o ambiente musical da época e valorizar a discografia. As informações seguem a rigidez da linha do tempo, em que as variantes estariam na apresentação do repertório, ponto central na padronização de quadros em alternância de ação e canto. Invariável em quase três horas de duração, a narrativa está ajustada à seleção musical com a previsibilidade do registro disciplinado de cinco décadas de participações em festivais, lançamentos de compositores e produção de discos. A tentativa de quebra desta uniformização, já bastante explorada em musicais do mesmo gênero, fica restrita à caricaturada fã, que ao telefone com uma amiga obtusa, acompanha a evolução e o sucesso da intérprete de “Vou festejar”. Mesmo esse recurso, popularesco e desgastado, se perde no fôlego curto de insuflar vivacidade a uma dramaturgia engessada. O diretor Ernesto Piccolo administra com desenho coreográfico a partitura binária de cenas curtas e músicas longas, buscando manter a fluidez entre ambas. Nem sempre consegue harmonizar o texto de tom único ao ritmo da música. O diretor reforça o entra e sai de quadros apenas como introdução à sonoridade, que ganha destaque pela efusão que provoca como memória da sambista. A direção musical de Rildo Hora, responsável pelos discos mais destacados de Beth Carvalho, mantém a solidez do melhor de uma parceria, e garante a qualidade do conjunto de músicos. A cenografia de Clívia Cohen é responsável pela funcionalidade das mudanças de cenas, e a iluminação de Djalma Amaral pela luminosidade feérica, que sugere a de um show. O figurino de Dani Vidal e Ney Madeira acompanha as variações do modo de vestir em 50 anos. O elenco de 23 atores, com equilibrada direção vocal de Pedro Lima, se desdobra em múltiplos papéis, na maior parte,  tipos aparentados a figuras conhecidas. Beth Carvalho é interpretada por três atrizes em idades diferentes. Jamilly Mariano revela a ingenuidade da menina. Stephanie Serrat a jovem em início de carreira, e Eduarda Fadini, a mulher na maturidade. Das três, Eduarda Fadini é quem melhor se aproxima, vocalmente e como intérprete, da recriação da personagem real. Ana Berttines, como a fã, não tem receio de extrapolar os limites do humor direto, com infalível efeito na comunicação com a plateia.                       

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (20/9/2015)

Crítica/ “Por amor ao mundo – Um encontro com Hannah Arendt”

O pensamento como ato político

O que ressalta em “Por amor ao mundo”, título de um dos livros da alemã Hanna Arendt e do texto teatral de Marcia Zanelatto, é o exercício do pensamento como ato político. Na prática intelectual desta filósofa judia, que viveu as consequências do totalitarismo nazista, reflete-se, sob a disseminação de atos desumanos e a banalização do mal, o espaço existencial desocupado de pensamento, um vazio que torna possível manifestações de violência e de atrocidades. Marcia Zanelatto construiu uma narrativa para desvendar os caminhos, pessoal e intelectual, que levaram Hanna Arendt a interpretar o seu tempo para além dos atos marcados pelo momento histórico. A autora contrapõe a jovem aluna, e também amante, de Heidegger, ao seu fiel e devotado marido por 30 anos, Heinrich Blucher. A presença desses homens em sua vida é apresentada com pretexto para tocar nas ligações do filósofo com o nazismo, e para situar a convivência com o pacato Blucher ao emigrar para os Estados Unidos. É através da correspondência com a escritora americana Mary McCarthy que surge, para além da pensadora, a mulher na troca de receitas e de trivialidades do cotidiano. A repercussão do artigo publicado na New Yorker sobre o julgamento do carrasco Adolf Eichmann pode ser acompanhada, numa conversa de Hanna com uma garota cheia de certezas, numa viagem de trem. Com esta envolvência dramática simples, sem didatismos e com bem medida abrangência, Marcia Zenelatto afirma o pensar como síntese da locução substantiva da autora de “A condição humana”. A depurada transposição dramatúrgica consolida-se numa citação: “A única forma de sobreviver a uma história que não se pode nem esquecer, nem perdoar, é narrando-a”. Isaac Bernat procura na encenação uma linha entre o caráter reflexivo e a atmosfera expositiva, que se mostra mais desenvolta ao ilustrar do que ao buscar significados. Há um certo lirismo invade a cena, como na coreografia que abre e encerra a montagem, comprimindo em movimentos escapistas o que as palavras reproduzem em tensionamento. A tendência à formalização dos meios expressivos, fixada no desenho cenográfico de Doris Rollemberg e na luz de Aurélio de Simoni, determina o desempenho frio e equidistante do elenco, que transmite uma emoção contraída. Mesmo na cena final, quando as atrizes, de mãos dadas, projetam um sereno entendimento, falta o detalhamento do percurso. Eventuais ponderações não comprometem a atuação de Kelzy Ecard, uma Hanna Arendt de arestas aparadas, mas com luminosidade. Carolina Ferman empresta, em intervenções corretas,  a vivacidade de Mary McCarthy e da companheira de viagem de Hanna. Michel Robim se desdobra como dançarino e ator.             

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (16/9/2015)

Crítica/“Ataulfo Alves – O Bom Crioulo”

As velhas e superficiais conversas de mesa de bar

Mais um capítulo da novela dos musicais biográficos, que ao que parece só chegarão aos episódios finais quando escassearem nomes a se submeterem à fórmula: volumoso repertório musical e magra dramaturgia. “Ataulfo Alves - O Bom Crioulo” não se desvia da corrente interminável do gênero, repetindo os elementos que, em algum momento, foram considerados infalíveis para manter o interesse do público, mas que agora se esgotam pela redundância em usá-los. As canções do cantor-compositor se sucedem como em um show, e a vida é apenas um acessório para introduzir o setlist, sem maiores cuidados dramáticos. Para lembrar a infância, recorre-se a “Miraí” e a “Meus tempos de criança”, em citação à cidade de nascimento de Ataulfo e as lembranças infantis. Para ilustrar as discussões com os parceiros Mario Lago e Wilson Batista, canta-se “Ai que saudade da Amélia” e “O bonde São Januário”. E nesta relação direta, sequencial e cronológica são apresentadas mais de duas dezenas de composições do autor de “Pois é”, confirmando a qualidade de tantas e tão variadas músicas, ainda que se mantenham na superficialidade da exposição cênica. O texto de Enéas Carlos Pereira e Edu Salemi reproduz todas as convenções do manual não codificado dos musicais biográficos. Personagens reais transformados em tipos e histórias verdadeiras em reverência roubam o espaço possível para criar uma atmosfera que sonorize a época. A narrativa é banalizada pela sucessão de fatos, em que os conflitos são conversas de mesa de bar e a ação, mero prólogo para o canto. O diretor Luiz Antônio Pilar se mostra empenhado em seguir na segurança do déjà vu, deixando a impressão de que se assiste, mais uma vez, a um mesmo espetáculo, apenas com referências, nominal e de repertório, circunstancialmente modificadas. A cenografia de Doris Rollemberg se reduz a um painel geométrico de evocação carnavalesca, e o figurino de Helena Affonso combina vestidos rodados das cantoras do rádio dos anos 1950 com a imagem do malandro carioca de camisa listada e chapéu de palha. A direção musical de Alexandre Elias circula com facilidade entre os sambas, as marchinhas e os sambas-canções de Ataulfo, com alguma tendência a padronizar a sonoridade de cada estilo. Wladimir Pinheiro mostra maior elegância como cantor do que como  intérprete de Ataulfo Alves. Édio Nunes mimetiza com igual eficiência, de comediante e passista, a sua participação em outros musicais. Marcelo Capobiango exibe sua segurança vocal. Patrícia Costa, Shirlene Paixão, Dany Stenzel e Luciana Balby compõem o harmonioso coro feminino. Marcelo Gonçalves, Alexandre Vollú e Marco Bravo completam o elenco de mais essa novela de capítulos sem ganchos atraentes.