Prêmios

Indicados do segundo semestre do Prêmio Shell 2015

Caranguejo overdrive: quatro indicações

Autor: Diego Liberano (O narrador)

           Pedro Kosovski (Caranguejo overdrive)

           Bia Zalcman e Simone Kalil (Brimas)

Diretor: Marco André Nunes (Caranguejo Overdrive)

             Renato Carrera (Abajur lilás)

Atriz: Carolina Virguez (Caranguejo Overdrive)

          Alessandra Verney (Kiss me Kate)

Ator: Gustavo Falcão (Race)

         Mateus Macena (Caranguejo Overdrive)

Cenógrafo: Paulo de Moraes e Carla Berri (Inútil chuva)

                   Fernando Mello da Costa (O Pena carioca)

Figurinista: Carol Lobato (Kiss me Kate)

                   Antônio Guedes (Homossexual ou a dificuldade de se expressar)

Iluminador: Maneco Quinderé (Inútil a chuva)

                   Paulo César Medeiros (A Santa Joana dos matadouros)

Música: Marcos Alonso Neves (direção musical de Amargo fruto)

              Tato Taborda (Blefes excêncritos)

Inovação:  Luiz Felipe Reis – Pela multiplicidade de linguagens na                                                                                        abordagem cênica sobre a ação do homem nas          transformações climáticas (Estamos indo embora)    

                 Claudio Lins – Pela iniciativa de criar uma dramaturgia musical em        

                                        diálogo com obra de Nelson Rodrigues no      

                                        espetáculo O beijo no asfalto

           

Temporada 2015

Marília Pêra

Atriz única de uma linhagem artística

Marília Pêra, no show teatral “Elas por elas”, interpretava cantoras brasileiras em homenagem a sua linhagem artística. A dinastia familiar se revelava quando encarnava Aracy Cortes e podia-se imaginar a avó Antônia Marzullo representando nos mesmos pavilhões onde a cantora se apresentava. Ao lançar sua voz em “Camisa amarela”, relembrava Aracy de Almeida e tinha-se a imagem do pai e do tio, Manoel e Abel Pêra, que mambembavam pelo interior. E recordava a mãe Dinorah, que atuava nos tempos do rádio. Marília recompunha com “star quality” de uma trabalhadora braçal do teatro, a herança que cultivou ao longo de 68 anos de carreira. A vida dura da família definiu, não apenas o caráter profissional e rigoroso na formação da atriz, como traçou sua trajetória como operária dedicada ao aperfeiçoamento da prática artística, nunca descontinuado. Voltada ao trabalho como necessidade expressiva, mantinha o impulso de sobrevivência numa ofício difícil, criando condições de se manter atuante e  revigorada. Se os convites rareavam, produzia (“A vida escrachada de Joana Martini e Baby Stompanato”). Se a proposta era ousada, aceitava (“Onde canta o sabiá”). Se os amigos convidavam, dirigia (“O mistério de Irma Vap”). O teatro devolveu-lhe, com generosidade, o tanto que ela o cultivou em mais de cinco dezenas de espetáculos. Marcada pelas várias comédias musicais, ultrapassou a rotulação do gênero para viver mulheres de temperamento que se tornaram imãs para a atriz que as recriava  com emoção e crítica, às vezes irônica, que emprestava a cada uma delas. Iluminou a brejeirice de Carmem Miranda. Vestiu a elegância de Madame Chanel e deu uma aula a prima dona Maria Callas. Marília Pêra, nunca esqueceu os códigos dos artistas populares, legados do clã de origem e repetidos como ”golpes de teatro” que permitia que flanasse com intimidade e virtuosismo pelo território em que nasceu predestinada e cresceu batalhadora.

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (5/12/2015)

Crítica/ “Marco Zero”

A queda do relacionamento de casal

Neil Labute aparece, pelo menos uma vez a cada temporada, como aquele autor de produção prolífera, alinhado com temáticas atualizadas de narrativas convencionais. Na primeira fase da carreira, recorria menos aos truques e golpes de teatro da maioria de seus textos, que capturam algum assunto circulante para usá-lo em escrita rotineira e convenções banalizadas do realismo psicológico. Em “Marco Zero”, a destruição das Torres Gêmeas no 11 de setembro, é o mote da vez. Um casal, aparentemente acuado em um apartamento nova-iorquino, um dia depois do ataque, tenta dimensionar no plano individual a perplexidade e o caos coletivo. O que parecia a princípio tensão diante do desconhecido, logo se vai mostrar apenas como pretexto para “discutir a relação”. Um homem se abriga no apartamento da chefe-amante, sem atender aos insistentes telefonemas da mulher, indeciso em abandonar ou não a família. Segue-se um longo e previsível diálogo sobre a decisão a ser tomada, que ora pende para um lado, ora para outro. O caráter simbólico da data e a metáfora possível de uma América ferida estão distantes do tratamento dramático, reduzido a elemento deflagrador da ação. O diretor Ivan Sugahara investiu na ampliação deste contexto factual, buscando ambientar, com interveniente sonoridade, o barulho que chega do exterior até a luta interior do casal. As informações trazidas pela televisão, que quase nunca se desliga, o telefone, que toca incessantemente, os ruídos e a trilha sonora, que comentam a reclusão, criam inquietude constante que adensa e sublinha a narrativa. Sugahara distribui e equaliza essas rubricas sonoras como referenciais que remetem ao ponto de partida abandonado pelo autor. A cenografia de Aurora dos Campos atende com eficácia a necessidade de boa visibilidade da plateia frente ao difícil espaço angular do palco. A transparência do tecido que demarca a área da representação envolve de olhar nublado o cenário da sala-bolha. Paulo Cesar Medeiros comprova, mais um vez, as suas qualidades de iluminador. Numa dramaturgia elaborada para medir técnicas interpretativas e afinar emoções, a dupla de atores do casal de Labute, estabelece intensa contracena. Tárik Puggina mantém ar misterioso nos silêncios que escondem hesitações e fraquezas. As reações mais contundentes do personagem, reproduzem, com comedimento, as fragilidades que a imobilidade física e voz calada que se articulam na atuação de Puggina. Letícia Isnard, que de início procura sinais para desenhar a mulher que traz da rua convulsionada as marcas do desregramento, se desprende desta linha para ganhar fôlego e vigor. A atriz libera, com modulada intensidade, os sentimentos da mulher em estado permanente de eclosão.          

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (2/12/2015)

Crítica/ “Godspell”

Musical dos anos 70 mostra viço juvenil

O musical do início dos anos 1970 que trata com espírito hippie-circense o evangelho segundo São Matheus prova, tanto tempo depois de sua estreia, que suas canções ritmadas e letras de evocação bíblica se mantêm atraentes. As diversas parábolas que transmitem os ensinamentos de um Cristo convivendo com jovens palhaços-malabaristas de circo bíblico com conotação de paz e amor, revivem uma fase de musicais lastreados pelo desbravador “Hair”. Quatro décadas depois, “Godspell” ganha selo de registro de época e validade na trilha sonora e ainda resiste a novas encenações. A montagem de João Fonseca é a comprovação de que a dramaturgia de Stephen Schwartz e a música de John Michael Tabelak sobreviveram ao tempo, e que respondem com vitalidade a versão renovada e bem cuidada. E essa lufada rejuvenescedora é apresentada com recursos básicos de produção, com elenco ardoroso na sua juventude profissional e inventivo nos jogos cênicos. Os elementos cênicos são pouco mais do cubos de madeira que a movimentação constante do elenco transforma em objetos manipuláveis no compasso das brincadeiras exemplares. Os malabaristas se transformam em grupo de garotos animados pela palavra do mestre, a quem cultuam com o descompromisso e o viço da idade. Na versão de João Fonseca e Rainer Tenente, a integridade original está mantida, mas a agilidade com que alarga os limites do picadeiro para a amplitude da efusão dos apóstolos juvenis, deixa em plano secundário os efeitos corporais do circo exibicionista. Com gírias próprias e críticas oportunas, a adaptação chega a plateia com franca comunicabilidade, sem perder a coesão narrativa. A coreografia de Victor Maia acompanha a marcação precisa das cenas, sempre em ação contínua que não deixa espaços vazios. O quinteto de músicos – Alexandre Queiroz (teclado e regência), Gabriela Alkmin (teclado), Pedro Mota (guitarra e violão), Alana Alberg (baixo) e André Guerra (bateria) – dá bem mais do que conta do recado. É um conjunto que se destaca na qualificada sonoridade do espetáculo. O figurino de Caio Loki equilibra a inspiração riponga com roupas atuais. O elenco de 22 atores atua como um coro harmonizado pela garra de desempenhar o papel de acólitos de uma celebração festiva. Com vozes trabalhadas e vigor corporal têm oportunidades semelhantes de solos, ainda que a melhor participação de cada um, está na capacidade de atuar sob a base sólida do coletivo. Por força do incontornável protagonista como Jesus, Léo Bahia lidera com seu aspecto bonachão o afinado coral. “Godspell” serve também a outra parábola da produção de musicais. Com visíveis restrições de orçamento, longe do falso brilho de cenários e figurino, no rigor de elenco empenhado e no visível cuidado na técnica vocal e interpretativa, esta montagem demonstra que há formas mais simples e criteriosas de encenar musicais.       

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (29/11/2015)

Crítica/ Uma Ilíada”

O ator diante da grandeza da epopéia

É como se fosse um aedo (artista que cantava epopéias na Grécia antiga), narrador de feitos e arauto que empresta a voz para relatar a guerra camuflada em sentimentos pouco nobres. “Uma Ilíada”, da dupla americana Lisa Peterson e Denis O’Hare, transcreve o poema épico de Homero, condensando os fatos que deflagraram a Guerra de Tróia pelas palavras do contador dos acontecimentos. A forma de se apropriar da narrativa como monólogo de um fabulador, transformado em libelo histórico que contabiliza os conflitos de todos os tempos, expõe os últimos dias do embate que um cavalo de madeira impulsiona para o fim. O confronto desencadeado pelo príncipe de Tróia, que ao raptar a mulher do rei de Esparta dissemina a luta, vencida, como em qualquer guerra, à custa de destruição de um povo. O original, não comprometido na essência, é mantido pelos adaptadores em comunicação envolvente e acessível pela oralidade frontal na forma de contar. Ao ser fiel ao helenismo e à historicidade, reproduz a participação dos deuses do Olimpo, que tomam partido nos atos guerreiros e revelam as suas próprias disputas. Para a plateia contemporânea, a atualização do formato diminui a distância entre o mítico-poético e a ausência de ação dramática. Mas, o caráter detalhado dos atos bélicos e desígnios de oráculos dilui a descrição cênica, que, inevitavelmente, contrai  a grandeza da obra fundadora de Homero. “Uma Ilíada”, que surpreende com a síntese denunciadora na última cena, é uma aproximação corajosa de clássico, que se conecta ao espectador como proposta de suave fruição. O ator e diretor Bruce Gomlevsky encontrou na tradução de Geraldo Carneiro, o vínculo dos espaços literário e teatral. A  atuação ritualiza a conversa, apresentando a história para trazer o que a belicosidade da aventura humana guarda de persistência. De uma mandala, circunscrita por velas, Bruce canta orações com voz poderosa, elevando ao plano litúrgico impulsos rasteiros. Para em seguida, mudar o tom, e falar sem impostação e de maneira direta, sensibilizando, com olhar fixo e gesto desenhado, para o que diz com comedida eloquência e apaixonada compreensão. A sua interpretação reflete a integridade com que o diretor transpôs para a linguagem de todos nós, a carga do poema épico de sempre.                    

Temporada 2015

 Crítica do Segundo Caderno de O Globo (25/11/2015)

Crítica/ “Race”

Imagem desfocada do preconceito

David Mamet, autor de “Race”, coloca em perspectiva dramática questões candentes da sociedade americana, universalizando seu alcance pela agudeza de observação no confronto dos argumentos. A ironia e a dúvida, que comandam seus diálogos, repletos de perguntas desconcertantes e afirmações não concluídas, estabelecem o terreno arenoso em que se movem personagens de fala cínica e olhar dúbio. Os conflitos, ligados a disfunções familiares, desonestidade intelectual ou exposição de preconceitos, são reveladores do esgarçamento de uma teia social à beira da ruptura. Não há  áreas de escape para além das evidências dos atritos com que máscaras e injustiças arranham conceitos e idealizações, e diante dos quais Mamet aponta a hipocrisia das convenções. Em “Race”, um homem branco, acusado de estuprar uma mulher negra, contrata para defende-lo escritório de advogacia cujos sócios são também um branco e um negro. É secundário se a causa deve ser aceita ou será vencida. Se razões éticas ou manobras jurídicas devem ser invocadas. O texto está distante do drama de justiça e da trama policial, o que se constrói são os escaninhos que abrigam as várias formas preconceituosas de ideias estratificadas. Nas atitudes residuais, nas palavras que induzem e na obscuridade das intenções se desvenda o que está por trás da ação. Pergunta-se a procura de respostas que se querem incontestáveis, como monólogos em série que mostram a extensão das mentiras. Gustavo Paso conduz o espectador por essa trilha dissimulada com o cuidado de não demarcar limites e indicar rumos. A direção deixa que o autor balize a montagem e que das contraditórias vozes de cada um surja a verdade de todos. Com apoio da fluente tradução de Leo Falcão, da cenografia sugestiva de Luciana Falcon e Gustavo Paso, da iluminação sutil de Paulo Cesar Medeiros e da trilha precisa de André Poyart, o diretor avança com simplicidade na costura narrativa de Mamet, em dialética cênica que acompanha as diversas camadas dos argumentos, fiel às rubricas. A arquitetura bem desenhada do texto, ao qual Gustavo Paso seguiu com rigor, respeito e entendimento, permite que se acompanhe com prazer uma dramaturgia inteligente. O quarteto de atores, que têm interpretações adequadas, está afinado em tonalidade um pouco acima da sonoridade cáustica das provocações do texto. As atuações adquirem força sanguínea e raiva represada, que trazem ao primeiro plano o que poderia ganhar mais se projetadas como ambiguidades. Yashar Zambuzzi sofre do efeito contrário, pela excessiva timidez e contração do  rico empresário acusado de estupro. Heloisa Jorge, a advogada assistente, se mantém num único registro, sem variantes na linearidade de sua contracena. A dupla Gustavo Falcão e Luciano Quirino leva às altitudes da explosão os movimentos subterrâneos dos advogados centrais da trama. Adotam uma carga de intensidade nervosa que contraí a racionalidade do debate. Mas ambos, mesmo seguindo uma linha que poderia ser atenuada, emprestam dignidade e segurança no mergulho interpretativo em personagens complexos.        

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (22/11/2015)

Crítica/ “Ideia fixa"

Jogos verbais impostos pela presença masculina

Adriana Falcão é uma malabarista das palavras. Joga-as no ar em traços rápidos, algumas vezes no sentido contrário ao que querem dizer e em velocidade que até pode escapar-lhe o alvo. Em “Ideia fixa”, a autora exercita com agilidade esses malabares verbais para contar da expectativa de duas mulheres, presas a um mesmo homem, até a libertação. Sem nomes, ligadas pela rivalidade no feminino e na dependência do masculino, marcadas por antiga sujeição, estão à espera de se liberarem da onipresença dele e da própria insegurança. Confinadas num espaço em que aguardam chegar a alguma decisão, disputam aquele que as mantém na esperança da reconquista e para quem amar se conjuga em outros tempos. As duas se unem na tentativa da volta improvável, em longo diálogo de submissão ao desejo e anulamento das vontades. Num bate-pronto em que uma afirma e a outra desmente, uma avança e a outra recua, a narrativa se enreda nas palavras que circulam em torno de um eixo dramático único. É o homem que determina a inação das mulheres e a quem elas respondem, servis, a cada pergunta incômoda. O texto de Adriana Falcão trata menos da rejeição e dor de amor, e mais de visão romântica dos papéis numa relação de gêneros. O que pode sugerir posição tradicionalista e conservadora. Henrique Tavares encena o jogo verbal, explorando a rapidez com que a argumentação é proposta e derrubada, voltando sempre ao ponto de partida. O diretor extrai dessa imobilidade uma dinâmica que faz a ação subterrânea emergir até a superfície do desfecho. Apesar do distendido percurso, alcança com relativo êxito o final da jornada libertadora. O cenógrafo e figurinista Ronald Teixeira é quem melhor interpreta e situa o estado oprimido das mulheres. Localizando a trama em uma sala de espera, recoberta por capas de revistas, e vestindo as personagens com roupas de época, referenda os sentimentos expectantes e aponta na roupagem fora de época, o desgaste dos sonhos idílicos. O constante folhear das revistas e os movimentos inacabados em direção ao cabide com novas roupas complementam a integração do visual revelador às vozes encobertas. A iluminação de Beto Bruel amplia o aspecto solar da ambientação. A trilha sonora de Rodrigo Penna e Ricco Vianna tem projeção acessória. Rodrigo Penna se mostra arredio em assumir o descompromisso afetivo daquele que povoa imaginações amorosas. Silvia Buarque acentua a timidez da hesitante personagem, que fica ainda mais contida pela voz, às vezes, velada da atriz. Guta Stresser agarra o papel com muita vontade, ameaçando leva-lo por um rumo oposto ao de suas emoções. Mas o reencontra numa interpretação forte e amadurecida.