Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (18/11/2015)

Crítica/ “O beijo no asfalto”

Nova trilha para um beijo 

A versão musical de “O beijo no asfalto” impõe ao texto de Nelson Rodrigues uma pulsação diferente. O gesto de Arandir ao beijar um desconhecido, atropelado por lotação na Praça da Bandeira, não perde a integridade narrativa com a introdução de trilha sonora. Ganha musicalidade paralela, absorvida organicamente pela trama, sem qualquer enfraquecimento do original. São canções escritas por Claudio Lins e outras tantas da década de 1960, ano em que a peça foi escrita, que ilustram e comentam a manipulação perversa de um ato de bondade. A ação adquire a cadência de um metrônomo dramático, no qual o ritmo é marcado pela música que antecipa e avalia numa forma de distanciamento e de decantar a emoção. A musicalização, ao mesmo tempo em que funciona como apoio, não interfere apenas como adereço ou aposto à corrente narrativa. Dialoga com o entrecho se tornando um elemento a mais que dimensiona, sob ótica sonora, a “tragédia carioca”. As músicas e letras   de Claudio Lins se insinuam no formato de coparticipação, integradas ao fluxo dramático sem roubar-lhes intensidade e coesão, criando uma terceira e fluente via expressiva. O diretor João Fonseca equaliza som e palavra em frequência única, modulando a interferência das canções no frasismo rodriguiano, ressaltando a convergência rítmica de pontos, aparentemente, dissociados. A habilidade com que Fonseca introduz as músicas evita que se desprendam do eixo do texto, articulando o quadro geral, similar a uma legenda que complementa a fotografia. A primeira cena, que antecipa a final, baliza toda a encenação no modo como costura o drama ao musical, anunciando uma base possível de dramaturgia nativa para o gênero. Ainda que a trilha não seja excepcional, e a direção esbarre em  alguns descompassos, a versão atual de peça tão encenada recebe sopro cênico que traz outros ares ao teatro de Nelson Rodrigues. O cenário de Nello Marrese, com aramados móveis e páginas de jornal, cria espaços vazados para as trocas de ambientes. A iluminação de Luis Paulo Nenén penetra por entre a trama do cenário, retirando belos efeitos. A ausência de urdimento no palco do Teatro das Artes prejudica melhor aproveitamento do desenho visual da montagem. O figurino de Claudio Tovar concede maior reverência ao teatro musical do que ao vestir os personagens de “O beijo no asfalto”. A direção musical de Délia Fischer e o conjunto de músicos acompanham o elenco com boa formação vocal. Em papéis mais episódicos, Ricardo Souzedo, Juliana Marins, Juliane Bodoni, Pablo Ácoli e Gabriel Stauffer procuram destacar-se nas suas pequenas intervenções. Janaína Azevedo é uma vizinha de voz poderosa. Jorge Maya faz  do assessor de delegado um sambista. Claudio Tovar e Thelmo Fernandes desempenham com vontade a pusilanimidade do delegado e do jornalista. Yasmin Gomlevsky interpreta com malícia a irmã Selminha. Gracindo Jr. surpreende como cantor. Claudio Lins compõe mais no físico do que no temperamento o atormentado Arandir. Laila Garin demonstra estar vocacionada a qualquer tipo de musical, além de confirmar  suas qualidades de atriz.            

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (15/11/2015)

Crítica/ “Nordestinos”

Retrato postado da diáspora nordestina

São cartas escritas por emigrantes nordestinos que vieram para o Rio e São Paulo tangidos  pelos imutáveis problemas regionais, mas que carregam a identidade da terra de onde saíram. Retirantes pelas dificuldades que deixaram para trás, procuram viver outra história sem perder o fio da meada que começou a se desenrolar no sertão, na pobreza e na miséria. Os depoimentos buscam a correspondência  entre os significados que a nova vida adquiriu desde a chegada e de como se confrontam na realidade os sonhos da partida. Enraizados na geografia e cultura do nascimento, refazem a narrativa pessoal mirando o que trazem da origem. Ajustados alguns, desgarrados outros, todos lembram de onde vieram e o que provocam nos que os recebem. Viver fora de casa para encontrar outra moradia não os desabriga do primeiro teto, e as cartas são expressões dos vínculos que a distância do presente  aproxima da permanência do passado. As histórias reunidas em dramaturgia de Walter Daguerre mistura os tempos e desarruma a sequência para refazer o percurso difícil de nordestinos até a fixação em pouso nem sempre muito receptivo. Os aspectos sociais que movem a diáspora têm o peso da alusão. O que o autor ressalta são os laços que se conservam mesmo à distância, e os diversos apontamentos que marcam a cultura regional. Há comentários divertidos sobre a comodidade de encenar textos de Ariano Suassuna, ao contrário de propor uma dramaturgia original. A farsa,, a comédia de costumes, além do teatro de mamulengo e a oralidade dos repentistas aparecem como formas de interligar as histórias, que o cenário solar e os figurinos coloridos de Karla de Luca ambientam com simplicidade. O diretor Tuca Andrade ativou a versatilidade do texto com a rapidez com que as cenas se desenvolvem, mantendo um ritmo inquebrável. Talvez  faltasse ao diretor maior ambição e detalhamento nas tessituras que a dramaturgia oferece, preferindo explora-las com o humor e a “nordestinidade” natal dos atores. Mas a escolha do diretor se mostra acertada pela  comunicabilidade que estabelece com a plateia. O elenco – Alexandre Lino, Natália Régia, Paulo Roque e Rose Germano – demonstra  integração bem humorada no cultivo da sinceridade de seu sotaque nordestino.   

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (11/11/2015)

Crítica/ “Inútil a chuva”

Família remando para se manter na superfície

O importante é se manter na superfície, continuar remando apesar de não se ter aonde chegar. A imagem de uma mulher e seus três filhos em um barco é o ponto de partida de narrativa poética-familiar-plástica que se move ao encontro do perdido. Na trajetória estão um homem, pai e pintor suicida, e um quadro, antes desprezado e agora cobiçado. Esse grupo a deriva vagueia entre a reconstrução de lembranças deixadas pela ausência, e pela valorização de obra que só ganha vida após a morte. A dramaturgia de Paulo de Moraes e Jopa Moraes navega pelo realismo de uma família em estado bruto e pelo simbolismo da arte como duvidoso meio de troca. Os autores condensam na cena inicial dos remadores, que se repete ao final, os movimentos inúteis de compreender os mistérios dos sentimentos e o imponderável da criação. Aparentemente dissociada e sem unidade, a ação conduz a um espaço menos dramático e mais visual. O percurso não é linear, mas pictórico, revelando camadas de tintas ilustrativas que competem com o traço expositivo. São sequências que se desorganizam como narração para estender a força do retrato até ao ponto da ruptura com a palavra. O entrechoque denuncia o desequilíbrio do texto construído aos pedaços e fracionado em diálogos curtos como contraplano de um painel. O diretor Paulo de Moraes tem revelado nas últimas montagens o depuramento de suas experiências cenográficas. Ao lado de Carla Berri, avança com inventividade e efeitos de impacto na ambientação de “Inútil a chuva”. O cenário surpreende pelo inusitado do barco e beleza do janelão e pela plasticidade de taças e copos com líquidos coloridos que transmitem, no translúcido do vidro, as dissimulações de uma festa. A iluminação de Maneco Quinderé é decisiva, quase coautora, na teatralidade da cenografia. O figurino de Rita Murtinho e a direção musical de Ricco Viana são elementos de discreta intervenção. As oito pinturas do artista suicida mencionadas na abertura de cada uma das cenas estabelecem a linha do entrecho, que a direção transforma em “quadros vivos”. Paulo de Moraes perde a coesão ao alinhavar, cenograficamente, as contrastantes e desconexas relações dramáticas, impulsionando-as pelo que propõem como imagem. O elenco se ressente de ser figurante desse tableau, figuras fixadas na composição de um mural. Patricia Selonk recorre a seu registro particular de intérprete para comandar a navegação tortuosa da família disfuncional. Leonardo Hinckel ainda não demonstra recursos para sustentar o garoto sensível e tímido. Amanda Mirasci corresponde ao papel integrador da jornalista. Andressa Lameau e Tomás Braune têm atuações intensas como os filhos rebeldes. Marcos Miranda está mais convincente nas cenas intimistas do que nas de demonstração física.  

Temporada 2015

 Crítica do Segundo Caderno de O Globo (8/11/2015)

Crítica/ “Kiss me Kate!”

 

Porter e Skahespeare em sintonia com Petrucchio e Catarina 

A comédia musical de Sam e Bella Spewack recria as brigas de bastidores que casal de atores americanos transferia para o palco enquanto corria em paralelo a encenação de “A megera domada”. A história é verdadeira e aconteceu em 1935, e a dupla de libretistas convidou Cole Porter para musicar as desavenças reais dos Lunts e as ficcionais de Shakespeare. O paralelismo é duplamente clássico. A estrutura do musical, estreado em 1948, tem no teatro a trama que apoia a evasão do gênero, reiterando suas características, mas com dramaturgia e trilha de qualidade. Porter e Shakespeare são eternos, e reuni-los para o divertimento inteligente passa ao largo de seguir fórmulas ou quebrar regras. “Kiss me Kate!” é duradouro como são os produtos comerciais que não barateiam o valor da mercadoria, subjugando-a aos enganosos apelos da bilheteria. A montagem de Charles Möller (direção) e Claudio Botelho (versão brasileira) ainda que fiel ao espírito dos musicais do circuito Broadway-West End, tem respiração nacional e rigor próprio de execução. A tradução de Claudio Botelho, tanto das canções quanto do texto, alcança alto padrão, aclimatando-se ao nosso idioma com sonoridade fluente  sem trair a musicalidade original. As letras de Cole Porter, sejam as de dubiedade maliciosa (“Homens, não!”), as de poesia romântica (“Wunderbar’), e as de puro brilho (“Mais uma estreia”) ganham vocalização que chega aos ouvidos, intermediada por rimas enriquecidas pela transposição do sentido. A melhor e mais criativa delas é a versão de “Chama o Shakespeare!”, que Botelho adapta da paródia ao teatro americano para comentários bem humorados sobre o atual panorama do palco brasileiro. E com direito a autocrítica. O abrasileiramento se estende à direção que reuniu elenco, músicos e técnicos do melhor nível local de profissionalismo. A direção musical, regência e adaptação dos arranjos de Marcelo Castro e a orquestra de músicos competentes, inundam o espetáculo em sintonia fina com as envolventes melodias de Cole Porter. Alonso Barros segue, como citação, o estilo coreográfico de tantos outros musicais. A cenografia de Rogério Falcão vai pela mesma linha, com telões pintados e maquinaria funcional. O figurino de Carol Lobato mescla as roupas de época com o colorido das vestes do show-business. Arrematando o quadro de bom acabamento, destacam-se a iluminação de Paulo Cesar Medeiros  e o visagismo de Beto Carramanhos. O elenco de 22 atores, cantores e bailarinos formam coeso ensemble no qual  o protagonismo fica por conta das oportunidades oferecidas pelos papéis. Fabi Bang é a perfeita loura sexy, e Will Anderson um cômico de burlesco. Jitman Vibranonski tem físico para compor figura senhorial. Ruben Gabira se mostra um dançarino em passos de humor. Guilherme Logullo sapateia acrobaticamente e Chico Caruso cumpre a função de personalidade em cena. Alessandra Verney, com seu alcance vocal e presença atraente, duplica suas habilidades como Lili e Kate. José Mayer interpreta Fred e Petruchio com os recursos maduros de ator e solta a vigorosa voz de barítono com a autoridade de ótimo cantor.              

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (4/11/2015)

Crítica/ “A floresta que anda”

Linguagem multimídia para desequilibrar roteiros teatrais

As imagens documentais de sobreviventes de guerras sociais se distribuem pela sala como uma instalação de plasticidade confrontadora. São vídeos que espalham as vozes de imigrante congolês em uma favela paulista e da sobrinha de Amarildo, morto na Rocinha. Também falam o manifestante de rua da prisão em 2013, e o integrante do movimento dos sem-teto de ocupação em Brasília. Os rostos são apenas entrevistos, e o que as telas ampliam são detalhes do espaço onde os fatos aconteceram. O público percorre essa galeria-palco-cinema com a expectativa de desdobramento do que virá depois, de como as linguagens podem convergir cenicamente. É esta a questão central e a maior dúvida que a diretora Christiane Jatahy lança em obra que evoca “Macbeth”, pela menção que faz no título. A vernissage inicial municia o espectador de informações que caracterizam a força no exercício do poder. As ações decorrentes das presenças ocultas são conduzidas pela intervenção de uma atriz que, metafórica e fisicamente, desaba diante do quadro assinalado pelos vídeos. E a área da representação se configura com a frontalidade das quatro telas frente a plateia. Definido o espaço, atos voluntariosos de uma dança frenética e de palavras retiradas de Shakespeare se concluem com a plateia assistindo passiva ao deslocamento das telas que projetam sua imagem ao vivo. O paralelo simbólico se estabelece, as articulações cênicas, nem tanto. A performance se dilui na imagem, que apaga a palavra e torna invisível o movimento final da floresta andando. O fragmento de “Macbeth” é estilhaçado em partículas, formalizadas em vários meios, mas de materialidade dispersa. O tempo de ver está desconectado com o de responder, restando à plateia apenas o papel de assistente, quando se pretende o seu comprometimento. Christiane Jatahy depura a técnica e supera a complexidade da realização multimídia. Os vídeos, assinados pela diretora e por Paulo Camacho, enquadram paredes sem reboco, tetos de lona e depoimentos roucos com o foco no registro factual e na estética ativista. O diretor de arte e cenógrafo Marcelo Lipiani, ao lado de Christiane Jatahy e do iluminador Paulo Camacho, cria ambiência de galeria que se transforma em palco modulável. A performance-instalação-teatral-cinematográfica, ou de qualquer modo como se queira defini-la,  prescinde de classificações para ser vista como mais uma investida de Christiane Jatahy na superposição de elementos de um diálogo teatral que se experimenta na incerteza das imprecisões  e na quebra de percursos unificados.

     

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (2/11/2015)

Crítica/ “Talk radio”

Emissões de vozes dissonantes da América profunda

O texto do americano Eric Bogosian demonstra, quase 30 anos depois de escrito, estar ameaçado de perder a validade. Não que seja medíocre, muito menos mal estruturado, apenas foi ultrapassado pela velocidade digital. O locutor de uma rádio regional, que comanda o programa “Night talk”, recebe nas madrugadas telefonemas de ouvintes no contra-fluxo da correção política e social. São vozes solitárias que defendem o racismo, agridem homossexuais e expõem frustrações num retrato, criticamente desfocado, da América profunda. Barry Champlain comanda com ironia e virulência verbal o desfile de desabafos e opiniões desmedidas, mantendo nos bastidores a mesma relação conflituosa com colegas de trabalho. Bogosian ambiciona, através de uma mídia abrangente e ainda poderosa, estabelecer metáfora das mazelas de um país, simbolizadas pelas ruído surdo da maioria silenciosa que fala das sombras do anonimato ou da mentira dos disfarces. Esse painel é atropelado pela atuais redes sociais, que refletem com maior contundência e força corrosiva juízos apressados e avaliações antissociais. O drama realista que sustenta o quadro político fica fragilizado pelo veículo que intermedia as atitudes destemperadas do locutor e as palavras dissonantes dos ouvintes. A comunicação pendular da narrativa acusa sua limitação e é superada no monólogo final quando a plateia é confrontada com a sua capacidade de atuar como agente de seus atos e presença interveniente no seu tempo. Maria Maya não integrou essa urgência de contato, ativando apenas a conexão entre as vozes, mas sem variação de sonoridade. A diretora uniformizou sob único ritmo e mesma modulação os embates radiofônicos, reduzindo-os à troca exibicionista de tipos e esvaziando o quadro de fundo de colorido mais intenso. A montagem evolui de modo sequencial, reforçada pela utilização rotineira da cenografia econômica de José Dias, e pela aproveitamento restrito da luz de Adriana Ortiz. O elenco acompanha a opção da diretora, com interpretações que se mantêm no contínuo diapasão da linearidade. Leonardo Franco, que conduz a trama, marca em compasso invariável e contorno esmaecido a figura central de Barry Champlain. A última cena, que desvenda o pensamento do autor, se perde na insistência de Leonardo Franco na sua linha de atuação amortecida . Os demais atores – Alexandre Varella, Bernardo Mendes, Marcelo Aquino e Raul Franco – sofrem de igual nivelamento. As exceções são Mariana Consoli,  que recorre a variantes do humor, e Stela Maria Rodriygues  que tenta caracterizar com um pouco mais o papel acessório da  produtora da rádio.