Prêmios

Prêmio Shell 2014

Os vencedores

E Se Elas Fossem Para Moscou?: direção e atriz

Autor: Renata Mizhrai (Galápagos)

Direção: Christiane Jatahy (E Se Elas Fossem Para Moscou?)

Ator: André Curti e Artur Luanda Ribeiro (Irmãos de Sangue)

Atriz: Stella Rabello (E Se Elas Fossem Para Moscou?)

Cenógrafo: André Curti e Artur Luanda Ribeiro (Irmãos de Sangue)

Figurinista: Claudia Kopke (Chacrinha – O Musical)

Iluminação: Maneco Quinderé (A Dama do Mar)

Música: Nando Duarte (Samba Futebol Clube)

Inovação: Samba Futebol Clube

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (13/3/2015)

Crítica/ Noite Infeliz – A Comédia Musical das Maldades

Versão envergonhada de programa popularesco de televisão

Independente de eventuais qualidades e defeitos, ”Noite infeliz”, espetáculo roteirizado por Maurício Guilherme, sofre de um pecado original: não sabe o que quer ser. Aponta para o musical de bolso, para desmenti-lo em seguida, ao reduzir-se a sequência de esquetes, que se desfaz, logo depois, na repetição das cortinas do velho teatro de revista. A multiplicidade de indícios, indecisão de estilos e desvios confusos fabricam um produto híbrido, que não atende a qualquer dos atalhos em que se dispersa. São quadros soltos que perseguem narrativa de pouco fôlego e ritmo, sempre atrás de humor que ative a comunicabilidade. Resulta em desfile de piadas sem desfechos e trama sem desenvolvimento. Ao hesitar sobre o gênero no qual deseja evoluir, o roteiro tenta se unificar através dos diversos tipos de maldades com que cada esquete ensaia avançar. Mas também nesta procura de unidade temática, o espetáculo se frustra. Por não conseguir construir com pequenas vilanias, vagas perversidades e tolas citações, passa ao largo da possibilidade de construir entrecho mais inteligente e inventivamente despretensioso e divertido. O diretor Victor Garcia Peralta se mostra pouco empenhado em buscar unidade para o roteiro fracionado e organicidade para um show de variedades. Não há surpresas, comicidade e irreverência na sucessão de números cômicos, precariamente integrados às intervenções musicais. Apesar do figurino de Antonio Guedes desenhar, ainda que com timidez, uma linha visual e a iluminação de Maneco Quinderé lançar colorido no palco, são as projeções de Rico Villarouca que melhor resolvem a ambientação econômica do espaço cênico. Villarouca cria tridimensionalidades com imagens que acompanham as mudanças e exigências de troca contínua de cenografia. A direção musical de Paula Leal e de movimento de Sueli Guerra ficam prejudicadas pela resposta restrita na extensão corporal e no alcance vocal do elenco. Maria Bia é quem melhor se sai com boa voz e certa malícia interpretativa. Mariana Santos faz  avaliação muito ampla do que seja cômico. Françoise Forton se coloca em plano secundário. Rodrigo Fagundes não controla os limites para o exibicionismo, enquanto Érico Brás não encontra, apesar dos muitos truques a que recorre,  o papel de condutor da montagem. Ao final, se constata que “Noite infeliz – A comédia musical das maldades” segue rumo bem definido, se não estilisticamente, ao menos na origem. É uma cópia, mal traçada e envergonhada, de programas popularescos de humor exibidos na televisão.  

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (6/3/2015)

Crítica/ Salina – A Última Vértebra

Território imaginário do amor e do ódio

O francês Laurent Gaudé mergulhou na ancestralidade da África profunda, celebrando ritos, desvendando imaginários, sacralizando o humano. A saga da mulher, violentada no desejo e impulsionada ao perdão para construir a sua vingança, incursiona pelo território ocupado pelas dissonâncias do amor e do ódio. A medida em que se aproxima dos sentimentos mais cruéis, recompõe em paralelo os    sentidos essenciais da aventura humana, na aridez das areias do deserto ou na límpida correnteza do rio. A natureza, que desafia e provoca, integra e purifica, permite que o sagrado se manifeste sob a forma das maiores vilanias sem perder a força ritualizada. Salina provoca morte e se descarna até os ossos para alcançar a redenção dos  ferimentos de uma existência suprimida e da barbárie de atos impensados. Em texto que compartilha a estrutura do trágico com a oralidade da fabulação, os diretores Ana Teixeira e Stéphane Brodt refazem a intervenção poético-etnográfica que desenvolvem no grupo Amok. O espaço cênico abriga os aspectos místicos da música e dança para projetar os conflitos que conduzem o destino. O artesanato desta rusticidade das emoções, desenvolvido como material bruto de ecos ancestrais, ganha tratamento de poema heroico. Os diretores, também cenógrafos e figurinistas, preenchem esse universo com imagens de força expressiva que envolvem a narrativa com crua delicadeza. O espectador é levado em 3h40 a acompanhar os embates desta pequena humanidade ao som da música de Fábio Simões Soares e seus estéticos instrumentos. A ambientação, com elementos como bancos, esteiras e instrumentos musicais, compõem com o figurino visual exuberante. Entre os tantos méritos desta montagem está na preparação do elenco, capaz de enfrentar as exigências de canto, dança e atuação, demarcados por referências étnicas e culturas contrastadas. Ainda que as atrizes – Luciana Lopes, Tatiana Tibúrcio, Ariane Hime, Graciana Valladares e Sol Miranda – tenham um pouco mais de oportunidades que os atores – Sérgio Ricardo Loureiro, André Lemos, Thiago Catarino, Reinaldo Junior e Robson Freire -, o conjunto se harmoniza nesta celebração ao imaginário e à ritualização.

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (4/3/2015)

Crítica/ Um Pai (puzzle)

Em busca do pai inalcançável

Do livro escrito por Sybille Lacan, filha do psicanalista francês Jacques Lacan, Evaldo Mocarzel adaptou, condensando, o relato das reverberações interiores de uma paternidade que nasce do “nada”, por que considerada fortuita, e que se consolida no “nada”, por que a morte a torna indissolúvel. Com o subtítulo de quebra-cabeças, o texto é marcado pelo profundo sentimento de que a ascendência determinou, pela origem e convivência, uma “solidão afetiva” permanente, e que as peças emocionais só podem ser reunidas pela escrita, único meio de não perder a memória. Viver para Sybille é estar com o pai ausente. Insuportável é saber que na presença se distanciam. Neste percurso, em que a “sensibilidade extrema beira a mágoa” e que se sente “fruto do desespero”, a menina rejeitada e a mulher na iminência do abismo pessoal buscam o pai. Mas é na sua figura desencaixada de um puzzle que nunca encontra os pedaços possíveis de desenhá-lo com contornos mais definidos que arrasta seu amor. O trajeto, como um exercício de linguagem, se apresenta como possibilidade de circunscrever a indiferença, o desprezo e a depressão, preparando Sybille para o encontro definitivo, representado no gesto de depositar suas lágrimas secas no túmulo paterno. Como na “Carta ao pai”, de Kafka, também a filha de Lacan nunca enviou seus mais profundos desabafos a quem endereçou toda a sua vida. Neste pungente depoimento de alguém que não conseguiu alcançar o objeto amoroso, perdendo-se na sua procura e somente o reencontrando quando o perde, a dor se traduz em sobrevivência. A dupla de diretores, Vera Holtz e Guilherme Leme Garcia, despojou a cena de quaisquer elementos que se desviem da presença absoluta da atriz no palco. O sentido de monólogo se prova na relação que a intérprete estabelece com a plateia: direta e antidramática. A montagem se reveste de secura, estendida à negritude do cenário e a uma mesma inflexão vocal, que mantêm a angustiada exposição em tonalidade única e sem variantes e arroubos. O cenário de Marcelo Lipiani, que alterna com volumetrias diferentes lápides de cemitério, é o pano de fundo neutro, quebrado apenas pela simbólico túmulo transparente com água. A iluminação de Maneco Quinderé movimenta claros e escuros, em permanente intervenção no ambiente sóbrio, emprestando ação contínua à densidade estática das duras palavras. A trilha de Andrea Zeni e Zélia Duncan interfere com parcimônia neste quadro de sonoridades interiores, provocando pequenos comentários musicais, apenas como pausas e vinhetas complementares. Ana Beatriz Nogueira divide a solidão no palco com o caminho árduo das palavras povoadas de rejeição. No enfrentamento das várias vozes que ecoam em Sybille, Ana as transmite com aridez nivelada por um só diapasão. Há uma frieza na interpretação que procura tocar a imponderabilidade da dor, sem atribuir-lhe sentimentalismo ou apelar a dramaticidades. Talvez Ana Maria Nogueira tenha levado um pouco além da medida, esse distanciamento emocional, o que não impediu que transmitisse com vigor, ainda que enregelado, a tristeza e melancolia de uma existência vivida como perda.          

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (25/2/2015)

Crítica/ Fazendo História

Aula sobre o pensamento e as ideias

O texto do inglês Alan Bennett, entre os dois planos narrativos em que se move, mantém-se sedutor por quaisquer das formas de recepção que o espectador escolha para apreciá-lo. Extremamente britânico na acuidade dos diálogos e na particularidade do seu entrecho, universaliza-se pelo equilibrado e sensível debate de ideias e no envolvimento provocado pela trama bem urdida. Grupo de alunos enfrenta o último ano em escola secundária em preparação para o vestibular para a universidade. Ainda que inteligentes e, em alguns casos brilhantes, a direção não os considera preparados para prestar provas para Oxford e Cambridge, o que valorizaria o ranking pedagógico da instituição. Diante desse desafio, se contrapõem os professores Hector, de Cultura Geral, com aulas marcadas pela humanização do conhecimento e o papel da arte, e Irwin, de História, contratado para compartimentar o pensamento ao êxito no concurso de ingresso. Ambos vivem diferentes experiências em sala de aula, repercutindo na classe as suas contradições íntimas, as diferenças de seus projetos pedagógicos, a impessoalidade do sistema de ensino e os conflitos com os alunos. As diferenças se estabelecem, ilustradas por citações de poetas (Thomas Hardy, W.H.Auden, T.S. Eliot), pintor (Piero della Francesca) e historiador (Eric Hobabaun), sem que pareçam banalizações de referências eruditas, mas trechos literários para ironizar a verdade histórica e a utilidade da arte e ressaltar ainda a força transformadora da linguagem. Em outra escala, a narrativa de Bennett dimensiona as ideias com o realismo do sistema educacional e reações emocionais, que oscilam da competitividade à sexualidade, num arco de sentimentos que justifica a dupla constatação de que a História, com maiúscula, e a história, sem heróis, têm, indistintamente,  um caráter aleatório. A direção de Glaucia Rodrigues reflete a compreensão do texto nas sua dualidade expressiva, sem imposição de acréscimos à rigorosa construção do autor e na contenção dos meios cênicos de que se utiliza. Com tradução fluente de José Henrique Moreira, sugestão cenográfica de José Dias, iluminação sutil de Rogério Wiltgen, figurino correto de Dani Vidal e Ney Madeira (a exceção fica por conta do marcante colorido das roupas do professor Hector) e direção musical de Edvan Moraes, a diretora cria um ambiente cênico dinâmico. As distâncias que se abrem entre a realidade cultural e do ensino na Inglaterra e o paralelo das nossas vivências sobre os mesmos temas, se acentuam na interpretação dos atores, mais sensíveis a atuações expansivas e emocionais. Falta ao elenco adulto – Mouhamed Harfouch, Nedira Campos e Edmundo Lippi -, com a ressalva do empenho de Xando Graça em alternar os climas emocionais projetados pelo professor Hector, maior autoridade interpretativa para assegurar a contracena com os alunos. O elenco de estudantes – Rafael Canedo, Helder Agostini, Yuri Ribeiro, Guilherme Ferraz, Ricardo Knupp – se beneficia de marcações intensas, mantidas em ritmo agitado, o que o favorece nas suas composições físicas. André Arteche se destaca pelas intervenções como pianista, enquanto Renato Góes explora o lado envolvente de Dakin e Hugo Kerth brinca ao imitar cantoras e reviver a sua participação no musical “The book of Mormon”.      

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (20/2/2015)

Crítica/ Eu e Ela

Um enfrentamento de mão única 

O primeiro texto teatral, como este de Guilherme Fiuza, pode, tanto demonstrar o desejo de experimentar-se como autor de um gênero inexplorado, quanto ampliar o espaço expressivo como exercício provocador da escrita. A comédia sobre uma mulher que, ao sair do banho, se defronta com uma barata, não deixa muito claro o alcance de suas ambições como dramaturgia e a verdadeira extensão do esforço pela qualidade. Fiuza partiu da constatação, algo cristalizada pelo preconceito, de que todas as mulheres têm pavor de baratas, e de que se tornam irracionais quando confrontadas com um único exemplar do inseto. Retirar dessa piada pronta narrativa com sustentação em diálogos com algum humor e originalidade é tarefa para quem consiga ultrapassar a previsibilidade e o desgaste da ideia inicial e confrontá-la com o seu próprio convencionalismo. Levar adiante situação que não se desdobra ao longo de 60 minutos da montagem, acaba por se transformar em relativo mérito. Apesar do abusivo recurso ao uso do telefone e das reações descontroladas da apavorada mulher diante da incômoda visita, Fiuza procura insuflar um pouco de ação para além do estático enfrentamento entre a mulher e a barata. É insuficiente neste quase monólogo de comicidade rarefeita e tentativas frustradas de comentários críticos da vida conjugal e do cotidiano social, que aponta para o desequilíbrio entre o impulso de estrear novo métier e a grande distância da sua concreta realização. Ernesto Piccolo não colaborou, com a sua direção linear e monótona, para aparar as fraturas de texto hesitante. Explora com timidez as pequenas sugestões que, eventualmente, poderia retirar da estática situação central. O que anima a cena é o truque teatral do aparecimento da barata, que de início é apenas um drone que sobrevoa o palco como um sonoro besouro, para se agigantar como alegoria carnavalesca de uma ameaçadora cascuda. De ótima confecção, a barata gigante de Clívia Cohen colabora, decisivamente, para animar a sonolenta encenação. Claudia Mauro não encontra o tom e ritmo adequados para alcançar o humor que o texto raramente oferece.