Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (18/2/2015)

Crítica/ Bonitinha, Mas Ordinária

Nelson Rodrigues em desenho animado

O Nelson Rodrigues de Bonitinha, Mas Ordinária, escrita no início da década de 1960, ainda que reproduza as mais sensíveis obsessões do autor – subterrâneos da família, perseguição à pureza absoluta, moralismo cínico – deixa à mostra o frasista inigualável e o cronista folhetinesco. De uma frase (“O mineiro só é solidário no câncer”) atribuída por Nelson ao jornalista Otto Lara Resende, se desdobram sentimentos obscuros e reações melodramáticas de um ex-contínuo, humilhado por sua condição subalterna e com a certeza de que “não há salvação para o homem”. As atitudes pusilânimes dos personagens, reveladas em episódios curtos e cortes elípticos, nivelam todos à igual canalhice de um deles, o que é pretexto para mais uma das frases de efeito, aquela que os nacionaliza: “No Brasil todo mundo é Peixoto”. Os diálogos secos, entrecortados e econômicos contrabalançam o derramamento expositivo da trama, carregada de situações que se apresentam como escaninhos para acomodar o ceticismo e a inocência perdida. A agilidade e nervosismo da ação, que os diálogos tão bem servem, impõem à narrativa um caráter plástico, em que o visual e a ambientação surgem como linguagem identificada com o essencial do texto. O diretor Alexandre Boccanera acentuou essa identidade com uma edição cinematográfica, em que as cenas se tornam closes, e as interpretações, movimentos. Com cuidadosa tesoura, eliminou personagens eventuais, recortou o aspecto sensual e picotou, ainda mais, o fracionamento original, distribuindo os atores entre as cadeiras da plateia, divididas com o público. Boccanera é responsável pela Cia. Teatro Portátil, que explora a relação do ator com imagens animadas, o que tenta, uma vez mais, utilizar nesta montagem. O que seria a continuidade de um trabalho de integração de meios, é o maior desajuste da atual encenação. As projeções, em especial dos desenhos em animação, são inexpressivas e nada acrescentam à cenografia integrada de palco-plateia, e, de certa maneira, condicionam o estilo de atuação do elenco, exigido como se fosse um conjunto de figuras. A iluminação de Aurélio de Simoni procura esquentar a atmosfera dos quadros, mas esbarra com a palidez do painel de fundo que serve de tela. Ana Moura, Laura de Castro e Morena Cattoni se enquadram como trio harmônico da performance corporal que domina a concepção do diretor de fazer dos intérpretes, imagens em exibição. Guilherme Miranda projeta linearmente os dilemas do ex-contínuo Edgar. Julia Schaeffer fica distante da ambiguidade da jovem currada. Elisa Pinheiro apenas arranha as dubiedades da Ritinha. Marcello Escorel, com presença e voz vigorosas, explora a sordidez do Dr. Werneck. Em papéis de menos destaque, Anderson Cunha, Cláudio Gardin e Marcio Freitas. 

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (11/2/2015)

Crítica/ Eu Não Dava Praquilo

À procura da imagem e semelhança de uma atriz

O monólogo Eu Não Dava Praquilo, por mais que tente ampliar o seu espaço expressivo, não consegue escapar ao limite da homenagem e da reverência. O objeto e razão desta investida do ator Cassio Scapin, que assina o roteiro com Cassio Junqueira, e do diretor Elias Andreato, é a atriz paulista Myrian Muniz. Intérprete de temperamento inconfundível no palco e de linguagem desabrida nos bastidores, participou do elenco do Teatro de Arena na década de 60, dirigiu Elis Regina no show “Falso brilhante”, fundou o Teatro Escola Macunaíma, formou-se na Escola de Arte Dramática, numa carreira teatral desenvolvida em São Paulo, com alguma projeção nacional nos raros filmes e novelas de televisão de que participou. A presença maior da atriz numa única geografia artística e com circulação mais intensa em ambiente teatral vivido por quatro décadas pela geração que ajudou a mudar a cena paulistana, confinam a montagem a esses condicionantes, além de registar a indiscutível admiração da equipe pela personalidade da intérprete. Mas os roteiristas demonstram alguma desconfiança em relação a essa demarcação de limites para perfilar um nome pouco conhecido do público do Rio. A saída foi introduzir algumas declarações de Myrian sobre a profissão do ator, identificar sua trajetória com as dificuldades do seu exercício, buscando extensão para encobrir o indisfarçável tom laudatório e consagrador. Apenas emerge, e parcialmente, os aspectos um pouco mais alargados de uma figura que, apesar das boas intenções, aparece em cena como um tipo característico. O desequilíbrio na construção do roteiro se revela ainda no dispensável quadro em que, em palestra de Myrian, é exigida a participação, postiça, sem fundamento dramático e justificativa cênica, da plateia. Cassio Scapin, envolto por cortinas transparentes, utilizando um tablado e cadeira como únicos elementos cenográficos e empenhado em reproduzir tiques e voz de Myrian Muniz, a evoca em lembrança corporal. O diretor adota discreta intervenção nesta composição mimética de gestos e falas, no constante uso do cigarro e na tonalidade característica da voz que determinam  um modo de se apropriar de tipologia, não do estilo de atuar. Esta linha, na exaltação à prática teatral como terreno absoluto da liberdade e outras tantas citações de uma didática emocional sobre a representação, reduz a papel coadjuvante a trajetória profissional e ao limbo memorialista o temperamento de uma intérprete de sotaque artístico peculiar.   

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (8/2/2015)

Crítica/ Perdas e Ganhos

Monólogo de falas interiores

O livro de Lya Luft, que adaptado e dirigido por Beth Goulart se tornou monólogo teatral, avalia a passagem do tempo, com suas perdas e danos, refletindo sobre a necessidade de continuar para além das memórias e de se refazer diante dos escombros. Inspirada, não apenas no livro que dá título à montagem, Perdas e Ganhos, mas também em O Silêncio dos Amantes, da mesma autora, Beth Goulart acrescentou situações que deflagram o depoimento existencial de uma mulher. O exercício da sobrevivência emocional, frente a morte de um filho, ao abandono da pessoa amada ou a submissão afetiva, é prática cotidiana que contabiliza o que sobrou e aponta para como prosseguir sem medo do ponto de chegada. Lya Luft empresta carga emotiva aos textos que os fazem parecer mapas indicativos de espaços interiores, respostas e ponderações a momentos de dúvidas e, aparentemente, sem áreas de escape. Esse caráter expositivo de crises, subtrações e vivências dolorosas insinua rumos apaziguadores, como depoimentos exemplares de exploração de novos caminhos. A diretora depura essa emocionalidade sobrecarregada com a valorização da palavra em sua medida literária. Não ultrapassa a forma circunscrita do dizer bem, ao contrário de projetar interpretações que possam conduzir a percepções melodramáticas ou a ideia de manuais de comportamento. É quase um recital dramatizado, com cenário simples de Ronald Teixeira, projeções de Renato e Rico Vilarouca, iluminação de Maneco Quinderé e trilha sonora de Alfredo Sertã. A ambientação no seu despojamento cria as condições para que a atriz, solitária em cena, exponha com dignidade e reverência suas próprias lembranças de ausência e convívio perdido. Nicette Bruno, com emoção controlada pela disciplina e rigor interpretativos, revive em tom levemente confessional a memória de sua perda recente.  

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (4/2/2015)

 Crítica/ S’imbora, o musical – A história de Wilson Simonal

Show de pilantragem

Os autores desta comédia musical, Nelson Motta e Patrícia Andrade, procuram construir uma narrativa para a biografia do cantor Wilson Simonal, invertendo a ordem cronológica, partindo do “começo do fim”, como anuncia o narrador. É uma tímida tentativa de reordenar o nascimento e decadência de uma carreira, marcada pela acusação de delator durante o período da ditadura, que levou Simonal à prisão e ao ostracismo artístico. Esse fato, que é apresentado no início e retomado no segundo ato, se torna decisivo na trajetória do cantor, por sua origem obscura e efeito devastador. A escalada do garoto da periferia para a popularidade avassaladora até o show no Maracanãzinho lotado, os sucessos das músicas da “pilantragem” e o “swing” e malemolência de sua voz, com algumas referências ao preconceito e ao comportamento de Simonal para os rechaçar, compõem núcleo central do libreto. O roteiro evolui na sequência temporal, narrado por Carlos Imperial, o apresentador que descobriu e, em boa parte, foi o mentor da carreira musical e autor dos maiores êxitos de Simonal, como “Nem vem que não tem”, “Carango” e “Mamãe passou açúcar em mim”.  A dupla de roteiristas criou, com esse pequeno artifício de fazer de Imperial o narrador, uma forma mais dinâmica de desfilar o repertório do cantor. A dramaturgia converge para a trilha musical, e é em sua direção que o biográfico se alinhava, o que é da natureza do gênero musical, mas que nesta versão se sobrepõe ao entrecho para torná-la imperiosa, numa exibição de parada de sucessos em formato de show. Pedro Brício segue, na linearidade de sua direção, a apresentação modular das músicas em alternância com o fio dramático introdutório para cada uma delas. Fugir deste engessamento, tão característico dos musicais não é fácil, mas em “S’imbora” a relação entre os dois planos desfavorece um, para privilegiar o outro. No final, quando se acentua a crise pessoal e a queda da carreira, há melhor integração com a parte musical, encontrando-se atmosfera que equilibra o diálogo entre ambas. Brício dá um tratamento seriado às cenas, com o mesmo padrão coreográfico e visual a todas elas. A cenografia de Helio Eichbauer busca a funcionalidade, que a torna apagada e inexpressiva. O figurino de Marília Carneiro, com qualidade de confecção, recria os modelos das décadas de 60 e 70 com uma fartura de peças que se tornam excessivas. A coreografia de Renato Vieira simplifica e mantém a mesma linha de movimentos. A direção musical e arranjos vocais de Alexandre Elias e o conjunto de oito músicos sustentam com potente volume sonoro as partituras. As duas dezenas de atores desempenham com eficiência, mas sem maior comunicabilidade com a plateia, vários papéis. Quando interpretam figuras conhecidas, parecem caricaturas improvisadas das verdadeiras. O trio – Ariane Souza, Cassia Raquel e Lívia Guerra – se destaca pelas ótimas vozes. Gabriela Carneiro da Cunha compõe Tereza, a mulher de Simonal, recorrendo a troca incessante de figurino. Thelmo Fernandes acentua gestos e atitudes de Carlos Imperial, prejudicando a estratégia envolvente que é desejável a um narrador. Ícaro Silva, com estatura, gingado e tonalidade vocal que se assemelham a Simonal, cumpre com disciplina e empenho o protagonismo.         

Temporada 2015

Crítica do Segundo Caderno de O Globo (31/1/2015)

Crítica/Para os que estão em casa

Emoções e afetos artificialmente compartilhados

O que parece aproximar, está levando ao afastamento. Um grupo de amigos, que  intermedia sua convivência através de contatos à distância e em que os sentimentos são filtrados pelas vozes que, de longe, pelo telefone e pelos tão disponíveis meios digitais, chegam depressa, mas são vagarosas na afirmação do que se está, verdadeiramente, compartilhando com o outro. A trama deste texto de Leonardo Netto é baseada no filme “Denise está chamando”, de 1994, quando a velocidade das redes sociais, a disseminação de aplicativos e os efeitos da conectividade ainda não se faziam possíveis para tantos. E como no cinema, Netto se concentra na ligação telefônica, ainda que a partir da mobilidade e imediatismo do celular,  para verificar que se vive a expressão solitária dos afetos. Ex-casal, uma grávida que se revela e uma dupla de desgarrados, todos amigos, uns íntimos, outros circunstanciais, se mantêm em linha direta, impulsionados pelo que recebem do exterior, sem se tocar fisicamente ou enfrentar o cara a cara interior. Uma festa em que os convidados não aparecem ou uma morte em que não há lugar para a emoção dividida como rito coletivo são os extremos desta inter-relação sem trocas aparentes, que prevalecem entre nuvens que não deixam ver as suas formas reais. Leonardo Netto, que também assina a direção, criou com o cenógrafo José Dias e o iluminador Aurélio de Simoni, espaços que individualizam cada um dos personagens, sem que eles se vejam ou contracenem, a não ser pela interatividade do celular. A distribuição espacial desenha, com o auxílio de diálogos ágeis e coloquiais, reproduzindo sensibilidades cotidianas, o mapa da comunicabilidade sem partilha efetiva. Não é fácil acionar esse carrossel de pessoalidades invisíveis e estabelecer  jogo dramático que faça circular o conjunto das peças individuais em volteios que desequilibrem a narrativa. Há quebras e descontinuidade de ritmo, mas são pequenos desvios em entrecho envolvente na sua hora e meia de duração. O elenco feminino – Adassa Martins, Ana Abbot, Beatriz Bertu e Isabel Lobo – leva alguma vantagem em relação aos atores _ Cirillo Luna, João Velho e Renato Livera. As atrizes têm mais oportunidades em papéis de maior destaque. Mas o elenco masculino, que fica em cena em longos períodos de silêncio, marca presença pela integridade interpretativa que imprime à contraluz da ação.