Crítica/ “Cole
Porter – Ele Nunca Disse Que Me Amava”
 |
| Tributo ao feminino |
Nostálgico - Há quase 20 anos, quando a dupla Charles Möller e Claudio Botelho estreou “Cole Porter – Ele nunca disse que me amava”, no extinto Teatro de Arena, no mesmo shopping, onde agora retoma o musical, no Teatro Net Rio, muita coisa mudou (para melhor), para ficar tudo quase igual (com algumas diferenças). A produção de 2000, marcava os primeiros e promissores passos de Charles e Claudio na profissionalização dos musicais por aqui. Com produção modesta, mas com elenco feminino que defendia com empenho o repertório do compositor americano, a dramaturgia tinha o atrativo que reunir as mulheres da existência de Porter, e fazer de sua vida aparentemente glamorosa, um idílio permanente com a morte. A qualidade das versões de Botelho, já se impunha pela originalidade versionista e a sofisticação na paridade vernacular. O texto atual e as eventuais adaptações das letras se mantêm íntegros na comparação às originais. A produção ganhou melhores condições, as novas atrizes-cantoras maior experiência e os realizadores, maturidade, resultando em espetáculo de bom acabamento, depurada montagem e refinada comunicabilidade. Para um musical, mesmo numa reestreia, tanto tempo depois, conserva vigor e algum frescor, confirmando a boa ideia de não apenas encenar a biografia, mas integrá-la a universos dramáticos, como o da morte e do feminino. A qualidade do trio musical – Marcelo Castro, Omar Cavalheiro e Márcio Romano – encontra correspondência no cenário de Rogério Falcão, no visagismo de Beto Carramanhos e na iluminação de Paulo Cesar Medeiros. O elenco – Alessandra Verney, Analu Pimenta, Bel Lima, Gottsha, Malu Rogrigues e Stella Maria Rodrigues – alcança equilíbrio de voz e atuação, consolidando o gênero com técnica e à brasileira.
Crítica/
“Merlin e Arthur – Um Sonho de
Liberdade"
 |
| Foco no repertório |
Lendário - O antetítulo desta versão musical
de uma Grã-Bretanha medieval, do reino de Camelot e dos cavalheiros da távola
redonda, anuncia que o espetáculo, concebido e dirigido por Guilherme Leme, em
cena no Teatro Riachuelo, é “ao som de Raul Seixas˜. Sem ainda se configurar
como tendência, a substituição de trilha original por repertório de
compositores populares, parece solução cômoda para integrar letras à ação, num
processo mais mecânico, do que inventivo. Neste caso, e talvez por ajuste ocasional,
o libreto serve à trama, com sentido e correlação. O que não é suficiente para
que “Merlin e Arthur” encaixe tão bem os demais elementos cênicos. O aparato
cenográfico, que apoia a narrativa de Márcia Zanelatto, cria paralelismo entre
projeções grandiloquentes e planos inclinados assépticos. (A parte visual projeta
bons efeitos e é assinada por Anna Turra, Camila Schmidt e Rogerio Velloso). O
formalismo da ambientação não estabelece atmosfera “dramática” que envolva de
magia a história lendária de cavalaria. Há um esfriamento dos fundamentos do
gênero, em que a trama, em, dois tempos e sobrecarregada de detalhes, fica
contraída na espetaculosidade exigida pelo caderno de encargos dos musicais,
pelo menos na tradição anglo-saxã, e no desenvolvimento romanceado. Os cuidados
na direção musical (Fábio Cardia e Jules Vanystad), que se estende ao desenho
do figurino (João Pimenta), não é menor na preparação do elenco. As duas dezenas
de atores procuram formar conjunto dedicado a interpretar, com vozes medianas, as
composições, coautorias e versões do Maluco Beleza. Formam um coro integrado,
mas não corpos e vozes soltas para alcançar “o sonho de liberdade”.
Crítica/ “O Som e a Sílaba”
 |
| Amplitude sonora |
Operístico
- Se a tentativa fosse
conceituar o estilo desse espetáculo, escrito e dirigido por Miguel Falabella, em
cena no Teatro XP Investimentos, talvez não pudéssemos defini-lo como musical.
No máximo, uma comédia dramática com exibição virtuosística de árias de óperas.
Pouco importa como se defina a relação de aluna com autismo funcional que
procura professora para ganhar maior autonomia na vida. Do encontro,
desenvolvido com os percalços que a dramaturgia de situações resolve com a
técnica do final recompensador, chega-se a um ponto de envolvimento da plateia,
que adere a diálogos aliciantes e expostos às emoções. A mais valia dessa
comunicativa montagem está na dupla de atrizes-cantoras, capaz de surpreender com
ampla técnica vocal e musicalidade. As exigências interpretativas não são descuidadas,
já que Mirna Rubim empresta sobriedade a inflexibilidade inicial da professora
e adoça suas atitudes ao longo da convivência. Alessandra Maestrini dribla, com
composição corporal e vocal bem estruturadas, a armadilha de sublinhar traços de
transtornos emocionais. Mas o destaque está na
voz de ambas ao interpretar árias das óperas “Tosca” e “Lakmé’” “La Bohème”,
“Romeu e Julieta”, entre outras. Quando, cada uma delas, começa a cantar pela
primeira vez, a plateia se surpreende com a limpidez e alcance de suas vozes,
sem que abandonem as personagens. A surpresa da descoberta, de certa forma, é
antecipada pelo anúncio de Miguel Falabella, antes do início da sessão, quando
adverte que as atrizes cantam ao vivo, sem gravações.
