Quatro
Autores à Procura da Identidade
Crítica/ Garras
Curvas e um Canto Sedutor
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| Fios e tessituras desencapadas de um novelo narrativo |
Daniele Avila Small captura em Garras Curvas e um Canto Sedutor ecos
literários que oscilam entre Raymond Carver e Edgard Allan Poe, perseguindo originalidade
dramática que estabeleça autonomia narrativa. De Carver, a autora retirou o
esboço da trama, enquanto de Poe, a leitura transposta de um dos seus poemas,
como se do amálgama das duas fontes retirasse seiva fertilizadora para
expressão autoral. A chegada de um homem cego, que diante de um casal – ele, incomodamente
instalado em um cotidiano que o acua; ela, enfrentando as tensões de se
descobrir – provoca em cada um, de forma enigmática e iluminadora, revelações
sobre obscuros objetos dos desejos, ou da falta deles. A princípio, de maneira comum,
em seguida, em progressão bem construída, o texto cria envolvência pendular,
entre algum mistério e certa aura
literária. A montagem dirigida por Felipe Vidal se apropria, parcialmente, do
exíguo espaço do Porão da Laura Alvim, menos como solução cenográfica, e mais como
distância do adensamento intimista. Mesmo com interpretações cuidadosamente
integradas a um ritmo ralentado, Vidal sugere alguma hesitação em investir na
densidade de atuações mais abstratas, sem tantas conotações concretas. Ainda
que desejasse acentuar o contraponto (real e ficcional), a direção desata e
instiga aquém dos emaranhados fios e tessituras do novelo do texto. Leandro Daniel
Colombo se mostra mais à vontade nas hesitações iniciais do personagem do que
na conversa com o hóspede cego. Ângela Câmara expõe, em parte, as dualidades da
anfitriã. Rafael Sieg, com firme e modulada voz, se aproxima do aspecto sedutor das intervenções do cego.
Crítica/ Os Sapos
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| A descarga elétrica das relações de afeto |
Renata Mizrahi, autora desta texto realista em
cartaz no Galpão de Artes do Espaço Tom Jobim, desenvolve através de um casal,
isolado em uma casa de campo, as contradições emocionais que se revelam quando
da chegada de inesperada visitante que deflagra latentes disfunções. Ao casal
morador, junta-se um casal vizinho, que também é atingido por essa hóspede, que
cobra, metaforicamente, as diárias afetivas que cada um deles paga aos pares. Com
um diálogo afiado e natural (os
personagens falam com a fluência do coloquial), a ação vai revelando o subterrâneo
de relações contraditórias, emocionalmente inconclusas, cuja agente é esta
visitante que desencapa o fio que leva à descarga elétrica. Os sapos do título são referências aos intrusos
anfíbios que aparecem, inoportunamente em cômodos da casa, tal como a mulher
que chega para desarrumar a aparente ordem. Mizrahi domina nesta narrativa a
escrita dramática, ao mesmo tempo em que demonstra segurança no desenvolvimento
de uma trama realista. A direção da autora e de Priscila Vidca apoia,
decisivamente, o caráter realista da cena, não só no cenário campestre de Nello Marrese e Lorena
Lima, como na linha interpretativa do elenco. A quebra que se estabelece com a
presença permanente dos atores no espaço da representação – ficam sentados nas
laterais, à espera de entrar em cena – contribui para que a naturalidade dos diálogos ganhe revigorada
espontaneidade. Gisela Castro, intensa, Verônica Reis, difusa, Paula Sandroni, rígida,
Ricardo Gonçalves, solto, e Peter Boos, arrebatado, compõem quadro à serviço de
uma montagem que pretende não ir muito além de contar bem uma história.
Crítica/ As Horas
Entre Nós
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| Desajuste do tempo que separa intimismo de política |
Joelson Gusson, que assina a direção e adaptação
do romance Mrs. Dalloway, de Virginia
Woolf, em cartaz no Teatro Glaucio Gill, foi de certa maneira ousado nesta
transposição para o palco. Afinal, transfere para o Brasil do período da
ditadura e para a crise política e a fricção social dos anos 70 a ação de uma
narrativa, profundamente intimista, de sentimentos sutis, submersos em ambiente
psicológico. A estrutura do romance condensa em um único dia uma festa o que a
memória de grupo de amigos traz de outro tempo, o da convivência da juventude. Sentimentos
que envolvem o que se é hoje, o que se quis no passado, que julgamento se faz do
que se viveu e ao que existência os conduz, perpassam a narrativa de Virginia
Woolf, construindo universo descompassos e incontornáveis dependências. A
adaptação se distancia desta atmosfera, sem alcançar autonomia da ambientação
sócio-política. Há uma superposição de
escalas narrativas, que retiram do original sua característica e
enfraquecendo o caráter próprio do
que lhe foi imposto. Não se trata de uma questão de fidelidade, mas de desajuste desta cenarização, que acaba por se restringir, tão somente, ao empréstimo
da trama original. Esse descompasso pode ser constatado quando o personagem
Septimus, que é bastante bem delineado na sua esquizofrenia existencial, recorre
à leitura do livro para se tornar menos dissociado da volubilidade dos demais
papéis reescritos pelo adaptador. Na direção, Joelson Gusson foi pouco além da
ideia da sua cenografia, que ao utilizar a circularidade de um grande sofá,
parece ter se acomodado à solução das passagens de tempo. A falta de atmosfera,
a original e a imposta, deixa ainda mais à mostra as fraturas da postiça transposição.
Os atores – Carolina Ferman, Cristina Flores, Cris Larin, Joelson Gusson,
Leonardo Corajo e Lucas Gouvêa – refletem em suas interpretações as dissonantes
e vagas proposições trazidas pela adaptação.
Crítica/ Como
Nossos Pais
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| Fotografia editada dos conflitos de pai e filho |
Pedro Neschling é o autor, ator e diretor desta
montagem em cartaz no Centro Cultural da Justiça Federal, demonstrando domínio
em texto com registro realista, com toques melodramáticos e sociais. A trama
fotografa a relação de um pai, de origem humildade e que se transforma em
poderoso empresário, com o filho carente de atenção. A presença de uma namorada
e do filho de uma antiga empregada interfere no jogo de afetos entre pai e
filho, em que o papel de ambos contribui
para impulsionar a ação. É uma narrativa escorreita, bem roteirizada, seguindo
padrão de escrita que não esconde a lembrança de seriados de televisão e o
cuidado de não ultrapassar certos parâmetros dramáticos. Manter-se dentro de
algumas convenções, restringe o texto ao bom
mocismo e a acomodação do final, além de enfraquecer a agilidade dos
diálogos. Na direção, Neschling buscou imprimir dinâmica às cenas curtas, quase
quadros, que compõem imagens editadas para um veículo visual. A cenografia de
Flavio Graff acentua o aspecto de corte, restringindo ao meio corpo a figura
dos atores em cena, como se os totens iluminados que se distribuem pelo palco, definissem
e buscassem closes. Isio Ghelman,
como o pai, revela mais afinidade com o confessional das revelações da primeira
cena, do que na mudança pela qual o personagem atravessa. Pedro Neschling, como
o filho, apesar de ser o autor e, portanto ter intimidade com a sua criatura, tem interpretação apagada. Fabrício
Santiago compõe, tanto física como emocionalmente, as contradições das injustas
relações sociais. Vitória Frate não supera com empenho e beleza a relativa inexpressividade
da personagem da patricinha.
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